Archivo de la etiqueta: Gestión cultural

Vicisitudes de un Consultor Cultural Nómada en el Meeting del IETM de Berlin Afectado por las Cenizas Volcánicas

Aunque ya hacía tiempo que no participaba en un meeting plenario del  IETM (International European Theare Meeting), mi fe en estos encuentros europeos no había decaído. La ocasión de Berlin no era para perdérsela. Seguir leyendo Vicisitudes de un Consultor Cultural Nómada en el Meeting del IETM de Berlin Afectado por las Cenizas Volcánicas

Los Miedos de Escenium

“Escenium”, el foro de las artes escénicas de España, celebró su última edición la semana pasada en Bilbao. Fuimos muchos, más que nunca, los profesionales de las artes escénicas que nos desplazamos para asistir a este encuentro que año tras año reúne la flor y nata de la gestión de los teatros, las compañías y los productores. Este año el tema principal a partir del que se desarrollaron todas las conferencias fue “los públicos de las artes escénicas”.

Donde se hacen los contactos

Los pasillos de Escenium

Es todo un éxito, y personalmente una gran alegría, llegar a reunir 600 profesionales de las artes escénicas para hablar de los temas que nos afectan. El encuentro en los pasillos, comidas o, incluso, las copas nocturnas son necesarios para poner al día nuestros contactos. En esto “Escenium” ha cumplido con un sobresaliente su papel.

A pesar de todo me marché de Bilbao decepcionado por lo que pude ver y oír en la sala de conferencias. Un sentimiento que me indujo la pregunta ¿de qué tiene miedo “Escenium”? y a continuación, ya que “Escenium” no es más que un síntoma de una enfermedad mayor ¿de qué tienen miedo las artes escénicas de este país?

¿Tiene miedo de ir a la raíz de los hechos? Pues así me lo pareció. Las sesiones consistían en larguísimas presentaciones de información técnica sin apenas contenido teórico. Un monumento a la tecnocracia que antepone la regla de cálculo por encima del pensamiento profundo y complejo, que antepone las teorías economicistas a una reflexión política de amplio alcance (en justicia debo salvar algunas presentaciones de experiencias ejemplares en la sequía de novedades).

Desde arriba no se ve el público

¿Tiene miedo del debate? Pues, también me lo pareció. ¿Por qué sino esas largas mesas en lo alto de un enorme escenario tipo “politburó soviético”? Una disposición que no sirve más que para proteger a los ponentes del público. Esto, unido a la ausencia de debate, al no permitirse la participación directa del público en las sesiones, me hizo pensar que quizás la ausencia de público en los teatros guarda una estrecha relación con esta falta de comunicación.

En definitiva ¿tiene miedo a los artistas? Si por un lado no permitían la participación del público, por el otro la voz de los artistas también estuvo enmudecida, ya que no creo recordar que se hubiera invitado a hablar a ninguno. A mi entender los artistas son el 50% del problema y hay que contar con ellos para resolverlo.

Tres miedos que me hacen pensar sobre sí hay verdad detrás de “Escenium”, si hay verdad detrás de los organizadores, o es simplemente una máscara (eso sí, teatral) para perpetuar un modelo de artes escénicas, de gestión cultural y de unos teatros del pasado a los cuales no quieren, ni por asomo, modernizar.

«mov-s/madrid 2010» – El Espectador Activo

Texto de presentación de «mov-s/madrid 2010» que tendrá lugar en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y espacios escénicos de la ciudad del 10 al 13 de Junio. Información en www.mov-s.org

Bajo el título genérico del “Espectador Activo”, la tercera edición del mov-s pretende profundizar en la realidad del público actual; cómo puede enriquecerse pasando de espectador pasivo a espectador emancipado y resuelto a ser protagonista en su relación con el artista. Considerar un espectador involucrado íntimamente con el trabajo del artista es un camino poco explorado por las artes, en particular por la danza y las artes del movimiento, como camino para el acceso de un mayor número de personas a la creación artística.

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«Bal Moderne» de la compañía de danza Rosas: «El espectador también puede bailar»

Los aspectos que hacen de las personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la creación escénica contemporánea, van de la mano del conocimiento y la interacción con los artistas. Además, en numerosas ocasiones, es la propia actividad creativa del espectador o de su comunidad la verdadera autora de la obra artística. Por otra parte, para conocer mejor el espectador hay que tener en cuenta que actualmente la participación no conoce distancias geográficas ni se ciñe a tiempos preestablecidos, por lo que las redes o comunidades se flexibilizan hasta alcanzar formas, tamaños y ámbitos inusuales.

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Cesc Gelabert baila con los jóvenes en un centro de enseñanza de Barcelona

Tanto artistas como responsables de centros artísticos, programadores o instituciones, consideran la presencia y el crecimiento del número de espectadores como labor prioritaria. Desgraciadamente esta es una tarea muchas veces condenada al fracaso cuando los métodos de desarrollo de las audiencias se han centrado únicamente en el más puro estilo del márqueting clásico. La apuesta por otro tipo de relación con el espectador que se sustente también en otro tipo de artes escénicas abre nuevos caminos aún por indagar.

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«Ruedapies Danza»: La danza como elemento integrador.

Para profundizar en los diferentes matices referentes al “Espectador Activo” se invitará a expertos teóricos nacionales e internacionales y a profesionales que, a partir de su experiencia, destacan por su conocimiento del espectador y por desarrollar actividades de acercamiento al espectador. Los invitados detallarán sus propuestas en sesiones plenarias para que después sean los “espectadores” participantes en el mov-s quienes tomen la palabra en grupos más reducidos.

La Verdadera Función del Ministerio de Cultura

Ministra de Cultura
La Ministra de Cultura de España

Estos días hemos asistido en España a la primera revuelta en Internet contra el propósito del Ministerio de Cultura, con su ministra al frente, de mutilar los avances de la sociedad de la comunicación. La posición del Ministerio de Cultura ha sido de apoyo total a las industrias culturales aunque esto significara ir a contracorriente del propio desarrollo cultural.

Que un ministro de un estado del mundo occidental desarrollado defienda el papel de las industrias de la cultura, el ocio y el entretenimiento como vector de desarrollo económico no es extraño en sí mismo. Es la ley del capitalismo que confía en el consumo y en la mercantilización de la vida para que todo el mundo pueda vivir con un nivel de comodidad y consumo propio de las sociedades supuestamente avanzadas. Para conseguirlo, los gobiernos se han dotado de potentes instrumentos de planificación y desarrollo económico en forma de ministerios de Comercio, de Industria, de Turismo, etc. Todos orientados al desarrollo de las industrias que generan desarrollo económico.

Manifiesto. Reunión Ministerio de Cultura
Reunión en el Ministerio de Cultura. Foto: Enrique Dans

Ya que existen todos estos instrumentos, ¿para que tener uno más para el desarrollo de la industria cultural? Si la política cultural española ha de ser mayoritariamente de apoyo a la industria cultural no sería mejor que estuviese en manos del Ministerio de Industria que lleva más años y experiencia en esto. Yo mismo cuando ejercía de Ingeniero trabajé muchos años de freelance para el Departamento de Industria   de la Generalitat de Cataluña.  Mis colegas, ingenieros, economistas, eran francamente buenos. Tenían una formación impecable, hablaban idiomas, asistían habitualmente a jornadas y congresos internacionales donde mostraban una gran curiosidad para proseguir una formación que nunca terminaban. Leían revistas especializadas de todo el mundo  que les mantenían al corriente de los últimos desarrollos tecnológicos en la materia que les interesase. Con este panorama ¿por qué no dejarles a ellos también el desarrollo de las industrias de la cultura y el ocio?

Cambio de Ministros de Cultura
Los ministros cambian pero las políticas culturales en España son las mismas

La opción del Ministerio de Cultura «Industrial» sería echar el cierre y así ahorrar buenos dinerillos al erario público. Aunque, evidentemente, otra opción sería ocuparse realmente en hacer crecer la cultura y el arte y, además, hacerlos accesible a la mayoría de los ciudadanos. Para esto, ante todo, debería preocuparse  del desarrollo de la creación, de manera  que los artistas puedan desempeñar su trabajo en condiciones, buscando la calidad y la originalidad en sus propuestas. Además, hacer que esta creación llegue a la sociedad sin desvirtuarse ni banalizar el contenido en aras a una mayor facilidad de difusión. Fomentar la educación en las artes en una sociedad claramente deficitaria de ella y, de la misma manera, estimular la parte creativa que todos tenemos, compartiendo los contenidos, las obras, los hallazgos. En definitiva, dedicarse a la cultura del futuro en donde las redes sociales, la circulación del conocimiento y la participación sean libres y accesibles para todos.

Textos de las ponencias «Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis» de la «Feria de Huesca»

Un año más la «Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca» ha cumplido con el reto de servir de aparador de la danza y del teatro contemporáneo y, con esto, favorecer su circulación extensivamente por los teatros y espacios escénicos.

Feria de Huesca 2009
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Juntamente a la presentación de las obras de los artistas escénicos, en la «Feria de Huesca» se han revisado las nuevas ideas que han de ayudar a dar contenido a la producción y difusión de las artes escénicas contemporáneas.

Feria de Huesca 2009
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Las «Jornadas Internacionales de Artes Escénicas» estuvieron marcadas por la expectación ante el surgimiento de un nuevo paradigma de la difusión escénica. Con la esperanza de que este nuevo paradigma ha de transformar muchas de las incomodas realidades en que se encuentra inmersa la gestión de la cultura en la actualidad, la «Jornadas Internacionales» desgranaron una a una las «Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis» y en los tiempos posteriores que han de venir.

Feria de Huesca 2009
Feria de Huesca 2009. Foto: Marta Marco

Ya pueden leerse las ponencias presentadas en la Feria de Huesca descargandolas del enlace: http://www.feriadeteatroydanza.com/es/jornadas/ . Una documentación muy valiosa que permitirá  proyectar el debate mucho más allá de lo que fue la propia Feria.

Comparando Modelos de Gestión de Teatros: Reino Unido y Alemania

A raíz de los estudios realizados sobre los modelos de gestión de espacios escénicos en el Reino Unido y Alemania, la Red de Teatros Públicos de España me pidió realizar un estudio comparativo de los dos modelos y darlo a conocer públicamente en su Asamblea General. Seguir leyendo Comparando Modelos de Gestión de Teatros: Reino Unido y Alemania

Los Teatros de Londres. Manual para Gestores Culturales

Siguiendo con la serie de manuales surgidos a partir de los viajes de formación de la Red de Teatros Públicos de España os voy a presentar hoy el de los teatros de Londres. El manual lo podéis descargar en esta dirección  http://www.redescena.net/descargas/proyectos/londresfinal.pdf Seguir leyendo Los Teatros de Londres. Manual para Gestores Culturales

Los Teatros de Berlín. Manual para Gestores Culturales

A raíz del viaje que organicé el año pasado a Berlín para la Red de Teatros Públicos de España, se ha editado este manual de los principales teatros de esta ciudad. El informe se puede descargar en http://www.redescena.net/descargas/proyectos/berlinfinal.pdf Seguir leyendo Los Teatros de Berlín. Manual para Gestores Culturales

Los Teatros Convertidos en Cementerios Según Roger Bernat

Publicado originalmente en La Coctelera el 29-Julio-2009

Vale la pena leer este artículo de Roger Bernat «No Teatros, Cementerios» publicado en El Mundo. Da mucho que pensar sobre la situación del teatro contemporáneo en España.
http://www.elmundo.es/papel/2009/07/09/catalunya/17318239.html Seguir leyendo Los Teatros Convertidos en Cementerios Según Roger Bernat

Manifiesto MACC (Mercado Atlántico de Creación Contemporánea)

Publicado originalmente en La Coctelera el 6-Mayo-2009

Después de todo el proceso de conceptualización, diseño y, la semana pasada, realización del MACC, ha quedado este magnífico manifiesto. Ha valido la pena las energías invertidas para llegar a sintetizar en estas líneas las inquietudes de artistas y profesionales de la cultura ante el papel de las artes y la creación artística en el mundo que se avecina.

Momentos del MACC

Manifiesto MACC

1. Somos una comunidad de creadores que, desde macc, concibe la creación contemporánea como un ejercicio radicalmente distinto al del pasado y que nos exige nuevas responsabilidades artísticas y sociales.

2. La creación contemporánea no gira, como en las prácticas convencionales, alrededor del producto sino del proceso. La creación nos enfrenta más a un trayecto que a un resultado, más a un procedimiento que a una meta. En el arte y la cultura de comienzos del siglo XXI más que las obras o las piezas, importan las experiencias, los caminos. Más que el qué, el cómo.

3. Ya no es significativa la disciplina que el creador practica, sino su actitud ante el proceso de creación. Da igual que sean las artes plásticas, el diseño audiovisual, la música, la arquitectura, las artes escénicas o la literatura; da igual que uno sea artista o artesano; que cree productos o propicie vivencias. Lo que importa es la actitud con que lo haga. Hoy, creador es quien hace pan o quien lo lanza al público en una perfomance. O ninguno de los dos.

4. La creación no es sólo el ejercicio individual del artista sino el talento colectivo de los grupos. Antes se entendía que el proceso creativo se limitaba a la acción del artista. Ahora sabemos que en ese proceso intervienen otros actores sin los cuales no hay creación. Porque el creador ya no está sólo frente a la obra. Su trabajo depende también del trabajo de los otros. No hay creación contemporánea si no admitimos esa interdisciplinariedad.

Momentos del MACC

5. El reconocimiento de lo colectivo, del carácter colaborativo de los procesos creativos, nos obliga, incluso, a revisar el concepto de autoría, el concepto de propiedad intelectual. Lo contemporáneo ha difuminado las fronteras entre el autor y el usuario, entre la creación y la función de lo creado.

6. La creación contemporánea no entiende de especialidades. En nosotros se hace evidente que el mestizaje y la diversidad es el argumento principal de la vida. La hibridación es consustancial a las nuevas tendencias creativas. Ni siquiera hay creadores para la cultura, sino desde la cultura.

7. El proceso artístico no es sólo estético sino ético. Para superar las crisis, como ésta que ahora nos preocupa, es necesario figurarnos lo que no existe. Y los creadores, acostumbrados a la imaginación, reclamamos nuestro papel como imaginadores del futuro. El creador tiene una responsabilidad ante los tiempos, aunque sea sólo la responsabilidad del presentimiento, de la visión que niega la evidencia. Porque si las certezas repiten modelos conocidos; los presentimientos, en cambio, proporcionan nuevas posibilidades.

8. macc ni es ni quiere ser un exhibidor de artistas; sino un exhibidor de procesos creativos. Con esa voluntad, y con la de seguir siendo punto de encuentro, proclamamos nuestra voluntad de seguir encontrándonos aquí o en cualquier otro sitio del Atlántico.