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Manifiesto MACC (Mercado Atlántico de Creación Contemporánea)

Publicado originalmente en La Coctelera el 6-Mayo-2009

Después de todo el proceso de conceptualización, diseño y, la semana pasada, realización del MACC, ha quedado este magnífico manifiesto. Ha valido la pena las energías invertidas para llegar a sintetizar en estas líneas las inquietudes de artistas y profesionales de la cultura ante el papel de las artes y la creación artística en el mundo que se avecina.

Momentos del MACC

Manifiesto MACC

1. Somos una comunidad de creadores que, desde macc, concibe la creación contemporánea como un ejercicio radicalmente distinto al del pasado y que nos exige nuevas responsabilidades artísticas y sociales.

2. La creación contemporánea no gira, como en las prácticas convencionales, alrededor del producto sino del proceso. La creación nos enfrenta más a un trayecto que a un resultado, más a un procedimiento que a una meta. En el arte y la cultura de comienzos del siglo XXI más que las obras o las piezas, importan las experiencias, los caminos. Más que el qué, el cómo.

3. Ya no es significativa la disciplina que el creador practica, sino su actitud ante el proceso de creación. Da igual que sean las artes plásticas, el diseño audiovisual, la música, la arquitectura, las artes escénicas o la literatura; da igual que uno sea artista o artesano; que cree productos o propicie vivencias. Lo que importa es la actitud con que lo haga. Hoy, creador es quien hace pan o quien lo lanza al público en una perfomance. O ninguno de los dos.

4. La creación no es sólo el ejercicio individual del artista sino el talento colectivo de los grupos. Antes se entendía que el proceso creativo se limitaba a la acción del artista. Ahora sabemos que en ese proceso intervienen otros actores sin los cuales no hay creación. Porque el creador ya no está sólo frente a la obra. Su trabajo depende también del trabajo de los otros. No hay creación contemporánea si no admitimos esa interdisciplinariedad.

Momentos del MACC

5. El reconocimiento de lo colectivo, del carácter colaborativo de los procesos creativos, nos obliga, incluso, a revisar el concepto de autoría, el concepto de propiedad intelectual. Lo contemporáneo ha difuminado las fronteras entre el autor y el usuario, entre la creación y la función de lo creado.

6. La creación contemporánea no entiende de especialidades. En nosotros se hace evidente que el mestizaje y la diversidad es el argumento principal de la vida. La hibridación es consustancial a las nuevas tendencias creativas. Ni siquiera hay creadores para la cultura, sino desde la cultura.

7. El proceso artístico no es sólo estético sino ético. Para superar las crisis, como ésta que ahora nos preocupa, es necesario figurarnos lo que no existe. Y los creadores, acostumbrados a la imaginación, reclamamos nuestro papel como imaginadores del futuro. El creador tiene una responsabilidad ante los tiempos, aunque sea sólo la responsabilidad del presentimiento, de la visión que niega la evidencia. Porque si las certezas repiten modelos conocidos; los presentimientos, en cambio, proporcionan nuevas posibilidades.

8. macc ni es ni quiere ser un exhibidor de artistas; sino un exhibidor de procesos creativos. Con esa voluntad, y con la de seguir siendo punto de encuentro, proclamamos nuestra voluntad de seguir encontrándonos aquí o en cualquier otro sitio del Atlántico.

Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis

Publicado originalmente en La Coctelera el 5-Mayo-2009

Texto introductorio de las Jornadas Internacionales de Artes Escénicas que tendrán lugar en Huesca del 30 de Septiembre al 2 de Octubre de 2009

Repetidamente nos enfrentamos al hecho de la escasa presencia del teatro y la danza más innovador y vanguardista en las programaciones estables de los teatros. Las razones que se esgrimen son muy diversas, aunque la mayoría inciden en la falta de aceptación por parte del público. Este, mayoritariamente habituado a las artes escénicas como mero entretenimiento o como reflejo de una educación sustentada en el patrimonio y la historia por encima de los procesos de creación contemporánea, no asume con facilidad las nuevas corrientes de las artes escénicas. Además, en tiempos de crisis, las administraciones públicas recortan gastos en las partidas de cultura que reciben menor consideración popular.

Sean cuales sean las razones, en estas Jornadas vamos a ser positivos y no quedarnos en la descripción de una realidad de por sí difícil para la creación escénica contemporánea. Por lo tanto, hemos invitado a nueve personas relevantes de diferentes ámbitos de las artes escénicas internacionales para que nos den sus razones por las cuales consideran que los espacios escénicos hoy día deben programar creación contemporánea. Cada uno de los ponentes va a ser testimonio de una evidencia por la cual han destacado y, todos ellos juntos, podrán confeccionar un argumentario detallado con el que defender la conveniencia de una programación de riesgo e innovadora en los teatros.

En palabras más actuales: en las Jornadas nos gustaría discernir cuales son las razones para un I+D+i de la exhibición escénica en el momento histórico actual. En el “Año Europeo de la Creatividad y la Innovación” e inmersos en una crisis global de proporciones todavía desconocidas, el recurso a la creación artística más innovadora se intuye como un detonador para un nuevo desarrollo social, económico y, también, personal. En las artes escénicas este detonador se concreta en la contemporaneidad de las propuestas artísticas y en su accesibilidad para la mayoría de la sociedad.

Miércoles 30 de Septiembre

Mesa 1 – Razones artísticas

Apostar por el arte y que este sea accesible a los ciudadanos no debería necesitar justificación alguna. El “arte por el arte” ha sido uno de los principales argumentos de las escuelas filosóficas desde tiempos remotos: “la necesidad del arte se justifica por sí mismo”. En este contexto ¿en qué lugar se sitúa el arte escénico contemporáneo? ¿tiene también valor en sí mismo? si es así  ¿que lo define y que lo diferencia de otras disciplinas escénicas?

Jueves 1 de Octubre

Mesa 2 – Razones socioeconómicas

El argumento del progreso económico es el que últimamente más se ha usado en España por políticos y administraciones para justificar su apoyo a las artes. Pero, ¿están las artes contemporáneas capacitadas para reactivar una economía en crisis? ¿una sociedad necesitada de innovación puede echar mano a la creatividad de los artistas? ¿hacen falta mentes creativas para un nuevo tipo de sociedad? ¿no sería un primer paso educar en la creatividad?

Viernes 2 de Octubre

Mesa 3 – Razones sociales y personales

La creación contemporánea se nutre de la realidad de la sociedad en que se desarrolla para nuevamente devolverla a ella. Sus receptores, individuos y colectivos, se sensibilizan, se transforman, desarrollan su propia creatividad, fortalecen la capacidad de convivir y pueden llegar a superar las barreras de la exclusión. Con todo ¿es la población receptiva a la creación contemporánea? ¿su capacidad transformadora repercute en sus practicantes? ¿hay creación más allá de la Academia?

En Corea También Apuestan por un “New Deal” para la Cultura

Publicado originalmente en La Coctelera el 1-Febrero-2009

Si los lectores de esta blog son reincidentes recordarán el artículo que publiqué el 12 de Noviembre (ver más abajo) sobre la necesidad de un programa de rescate en el sector cultural para afrontar la crisis. En este artículo pido a las administraciones públicas un “New Deal” para salvar las artes y la cultura de la crisis que nos atormenta. En el expongo que los beneficios repercutirán directamente en el conjunto de la sociedad y en la economía ya que así se asegurará una sociedad más innovadora y creativa, condición básica para superar la crisis. Seguir leyendo En Corea También Apuestan por un “New Deal” para la Cultura

Un New Deal Cultural para Superar la Crisis

Publicado originalmente en La Coctelera el 12-Noviembre-2008

Por lo que se ve, los planes de rescate ante la crisis únicamente van a ir dirigidos a salvar la vida de los bancos y de las empresas de la “economía real”. Según dicen, debería de ser suficiente para que en el plazo más corto de tiempo podamos volver a gozar de altos niveles de empleo y de bienestar económico. Por otra parte, una afirmación recurrente estos días en los diarios es que a España le costará salir de la crisis por su bajo nivel de productividad. Evidentemente los gobiernos van a empeñarse en mejorar la productividad de las empresas y salir pitando de la crisis.

Ante tal panorama, ¿qué papel le quedara por jugar a la cultura y a los sectores artísticos? Mirando los periódicos y declaraciones, parece ser que ninguno. No va a haber ningún plan de rescate para los artistas, ellos no contribuyen al desarrollo de la actividad financiera y económica. La cultura y los artistas, una vez más, quedarán relegados de los grandes programas y decisiones que afectan al conjunto del país.

En esto, como en otras tantas decisiones que han llevado a esta situación, las fuerzas vivas de la economía y la política se equivocan. Para salir de la crisis hay que contar con los artistas y la cultura y poner en marcha un gran plan de rescate cultural de igual manera que se hace con los sectores financieros y productivos. Pero, veamos, ¿cómo se justifica un plan de rescate para la cultura?

Como bien se dice, España saldrá más rápidamente de la crisis si mejora la productividad de las empresas pero, hace falta añadir que el mal de este país, además, es su falta de innovación. El capitalismo que surja de la crisis será el capitalismo de la creatividad y la innovación. Ya no bastará con producir, habrá que hacerlo aplicando nuevos modelos y sistemas que desarrollen productos y servicios que vayan más allá de los conocidos. En este ámbito, los artistas contemporáneos son las personas necesarias para dotar al tejido productivo de la capacidad de imaginar sin límites, paso previo para que las empresas puedan innovar.

Actualmente, una política inteligente de gobierno es apostar decididamente por la cultura y proponer planes de rescate para que los artistas puedan seguir trabajando. Esto se deberá llevar a cabo desarrollando nuevas políticas culturales que sitúen el artista en el centro y que fijen como objetivo el desarrollo de la creación y una nueva manera de entender la difusión artística. Porque, esto sí, el artista deberá involucrarse íntimamente con la sociedad y compartir con ella su capacidad creativa.

Los Consejos de las Artes, por su conocimiento, independencia y transparencia, son los organismos adecuados para desarrollar estas políticas culturales de nuevo cuño. En este sentido, es todavía más urgente que el de Catalunya se ponga a trabajar inmediatamente y se le dote del presupuesto suficiente para realizar esta tarea.

El ejemplo más sonoro de plan de rescate cultural se dio en Estados Unidos durante la gran depresión del 29. El New Deal impulsado por Franklin Roosevelt para salir de la crisis dio trabajo a decenas de miles de artistas para enseñar en las escuelas, pintar en edificios públicos, engrosar orquestas o grupos de teatro. Entre muchos otros, Jackson Pollok, Mark Rothko, Orson Welles o Aaron Copland realizaron sus trabajos gracias al New Deal.

Aunque el caso americano estaba orientado a la contratación y el empleo, en la actualidad las prioridades han cambiado y, por supuesto, sin renunciar al empleo, habrá que tener en cuenta la cultura y las artes para avanzar de lleno en una nueva economía creativa. En línea con los países más desarrollados, con estos con los que Zapatero quiere ir de la mano para renovar el sistema capitalista, los planes de rescate de la cultura deberán de ser elementos ineludibles de los programas para salir de la crisis.

Los Nuevos Retos de la Difusión Escénica

Publicado originalmente en La Coctelera el 11-Noviembre-200

Texto introductorio de las Jornadas de Artes Escénicas de la Feria de Huesca 2008. Información sobre el programa y los textos de las ponencias en http://www.feriadeteatroydanza.com/es/jornadas/

La última encuesta presentada por el Ministerio de Cultura indica que en España, en el año 2007, el 19% de la población declara haber asistido al menos una vez a un espectáculo de teatro y el 5% de la población a uno de danza. Si nos centramos en la práctica artística, estos valores son, a distancia, mucho más bajos. Tampoco parece que la evolución en el tiempo indique que estemos en un periodo de crecimiento, sino más bien lo contrario. Por otra parte, estos datos no discriminan las actividades puramente de entretenimiento de las actividades artísticas de calidad.

¿Significa esto que después de más de 20 años de políticas culturales democráticas no se ha conseguido un acercamiento mayor de la población a las artes escénicas? Algo parece indicar que las políticas de democratización de la cultura en España no están dando el resultado esperado, por lo que no sería muy arriesgado afirmar que el acceso universal a la cultura para todas las personas no está garantizado en España. Aunque, si sirve de consuelo, este cuadro se repite en Europa sin apenas grandes diferencias.

Con el objetivo puesto en una sociedad con una mejor experiencia de vida, más creativa y cohesionada, las artes, y en particular las artes escénicas, disponen de valores que van a la raíz de estas necesidades. Para hacerlos efectivos, hará falta revisar los modelos de difusión y de exhibición escénica buscando nuevas formas de llegar a la población e involucrarla en el hecho creativo. Esto, seguramente, se conseguirá con la educación de la población en las artes, el desarrollo de sus propias capacidades creativas y el acceso a la calidad escénica en cualquier rincón del territorio.

Cita de Jorge Amado

Publicado originalmente en La Coctelera el 30-Enero-2006

Los intelectuales de élite brasileña, los de izquierdas y los de derechas, hermanos gemelos en su pretensión y en su locura, imitan, una parte de ellos, a los europeos; otros, la mayoría, resultan una fotocopia de los yanquis. De brasileños no tienen casi nada: el saber, aunque libresco y limitado, los coloca por encima de la ciudadanía, se sienten superiores, repudian la creación popular, vuelven la cara, se tapan la nariz para no percibir los olores de la calle, de la plaza pública.

Jorge Amado – Navegación de Cabotaje

La Danza Contemporánea se Examina en el mov-s

Publicado originalmente en La Coctelera el 10-Diciembre-2008

El proyecto del Mov-s lo empezamos a desarrollar conjuntamente con Cesc Casadesus hace unos tres años con la esperanza de crear un lugar de encuentro internacional para los profesionales vinculados a la danza y las artes del movimiento. En España existe una falta de espacios para el debate y el intercambio de información en las artes escénicas contemporáneas y, aun menos, donde participen expertos internacionales con los que poder confrontar las experiencias. En Mov-s, además, pretendíamos que la presencia de los artistas fuera notable, tanto su voz como sus creaciones.

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Mi paisano el tortosí Roberto Oliván presento en el Mov-s / Galicia este maravilloso «Kiosko das almas perdidas» junto a Mercedes Peón. Una gozada.

Uno de nuestros deseos es que pudiera ser itinerante dentro de España. Cambiar de escenarios permitiría que cada una de sus ediciones pudiera entenderse no sólo a escala nacional e internacional sino, también, local. Especialmente nos interesaba sumergirnos en la realidad artística de las ciudades y comunidades donde el Mov-s se realizaría.

Con estos buenos propósitos, iniciamos el Mov-s en abril de 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona y en 2008 en Galicia.

Capitán, a toda máquina rumbo San Simón

En junio de 2008 el Mov-s se trasladó a Galicia, a la hermosa islita de San Simón, en la ría de Vigo. En colaboración con el Centro Coreográfico Gallego, la isla de San Simón nos acogió en una especie de retiro artístico-espiritual que resultó extremadamente estimulante. Los temores de que apartados de una gran ciudad la asistencia se reduciría fueron totalmente infundados. También las presentaciones de artistas gallegos, en la isla y en la ciudad de Pontevedra, permitieron comprobar la fuerza que la creación escénica contemporánea está teniendo en Galicia.

Bailando en la isla

En Galicia, los debates del Mov-s giraron en torno a «las condiciones para la creación coreográfica». En dos jornadas completas de encuentros se fueron desgranando temas relativos a los centros de creación, la movilidad artística, los entornos y el acompañamiento artístico, la memoria de la danza y las políticas culturales de desarrollo de la danza. Todos, en su conjunto, pueden servir de referencia y modelo de buenas prácticas para que en un país, ciudad o región, la creatividad pueda florecer.

Momentos de gran concentración

Sería imposible sintetizar lo hablado, pero el clima de la isla y el ambiente tranquilo de la reunión permitió llegar a importantes niveles de compenetración y diálogo entre los asistentes cosa que es tan importante como las conclusiones en sí mismas. De todas maneras, como ya se hizo en el Mov-s de Barcelona, las ponencias serán publicadas y presentadas en la próxima edición. Los programas de Mov-s Galicia y de Barcelona se pueden encontrar en www.mov-s.org

Aunque el futuro del Mov-s está asegurado, todavía no sabemos con exactitud dónde se va a realizar y en que fechas. Todo parece indicar que se va a retrasar un poquito y, muy probablemente, el nuevo Mov-s tenga lugar en el primer trimestre de 2010 en una capital de España.

La Legitimidad de las Artes y su Instrumentalización

Publicado originalmente en La Coctelera el 18-Febreo-2006

En momentos de flaqueza, una de los cuestionamientos que más nos hacemos los que trabajamos en la cultura gira alrededor de la necesidad de las artes. A este reto me respondo: las artes son un elemento fundamental para el desarrollo humano, nos hacen ser creativos, emocionales, sensitivos, sensibles, imaginativos, etc., etc. Pero, sobre todo, nos permiten soñar. Dicho propiamente, las artes tienen legitimidad por si mismas.

Pero no me permito detenerme en este principio, por si solo se queda incompleto. Hay que ir más lejos, y definir como tiene que ser la cultura. Para mi la cultura tienen que ser accesible a todo el mundo, participativa y contemporánea (véase creativa). Estos valores son indisociables a una idea progresista del arte cuando considerara que la cultura es reflejo de la sociedad.

Cunado nos referimos a los valores instrumentales de la cultura, nos referimos a la cohesión social, la integración, el desarrollo económico (trabajo, turismo, riqueza, etc), la educación, etc. Objetivos importantísimos por ellos mismos pero que no deben condicionar el trabajo artístico. Por el mismo motivo hay que considerar las artes por ellas mismas y no por su valor instrumental. En el caso que las razones instrumentales se prioricen la creación artística pierde vigor, se banaliza, se degrada, se traspasan los límites de la creación para pasar a la cultura del espectáculo y del show-bussines. Se potencian los macro eventos, las políticas artístico-sociales de baja calidad y el diletantismo de la gestión cultural. En España esta ha sido la situación desde que se desvaneció el impulso creativo de los 70s.

Desgraciadamente la mayoría de políticos solo entienden los argumentos instrumentales. Lástima.

Existen, y lo vemos a diario los que trabajamos en el mundo de la cultura, casos extremos de instrumentalización de la cultura por parte de algunos políticos e instituciones. Esto tiene mucho que ver con el importante déficit de cultura democrática que padece nuestro país en las instituciones y la sociedad. La instrumentalización política se nutre de malas prácticas: amiguismo, clientelismo, corporativismo, uso interesado, etc. de las cuales tanto participan los políticos como los artistas, los gestores y los colectivos culturales. La falta de transparencia, las subvenciones otorgadas sin criterios objetivos por personas sin capacidad, la no evaluación de los proyectos culturales, los déficits encubiertos, el nombramiento a dedo de los directores de las instituciones culturales y un largo etcétera son ejemplos de estas malas prácticas. Pero, el caso más grave se produce en el momento en que el artista reduce su capacidad crítica y se adapta a lo que la institución quiere oír.

La solución pasa por que a todos los niveles de la sociedad se incremente la cultura democrática. Pero esta es una solución a largo plazo. En el camino hay que intentar distanciar la cultura de la política. Los Consejos de las Artes y la gestión de proyectos culturales por estructuras independientes sin ánimo de lucro son el mejor modelo.

Hay que explicar a los políticos y a la sociedad la legitimidad del arte por si mismo y no por sus beneficios instrumentales. En general, los políticos no saben porque dan dinero a la cultura y hay que explicárselo. Para esto hay que crear plataformas independientes en que se abogue por una cultura creativa e independiente, y se denuncien los abusos de manipulación e instrumentalización de la cultura.