Archivo de la categoría: Política cultural

Manifiesto MACC (Mercado Atlántico de Creación Contemporánea)

Publicado originalmente en La Coctelera el 6-Mayo-2009

Después de todo el proceso de conceptualización, diseño y, la semana pasada, realización del MACC, ha quedado este magnífico manifiesto. Ha valido la pena las energías invertidas para llegar a sintetizar en estas líneas las inquietudes de artistas y profesionales de la cultura ante el papel de las artes y la creación artística en el mundo que se avecina.

Momentos del MACC

Manifiesto MACC

1. Somos una comunidad de creadores que, desde macc, concibe la creación contemporánea como un ejercicio radicalmente distinto al del pasado y que nos exige nuevas responsabilidades artísticas y sociales.

2. La creación contemporánea no gira, como en las prácticas convencionales, alrededor del producto sino del proceso. La creación nos enfrenta más a un trayecto que a un resultado, más a un procedimiento que a una meta. En el arte y la cultura de comienzos del siglo XXI más que las obras o las piezas, importan las experiencias, los caminos. Más que el qué, el cómo.

3. Ya no es significativa la disciplina que el creador practica, sino su actitud ante el proceso de creación. Da igual que sean las artes plásticas, el diseño audiovisual, la música, la arquitectura, las artes escénicas o la literatura; da igual que uno sea artista o artesano; que cree productos o propicie vivencias. Lo que importa es la actitud con que lo haga. Hoy, creador es quien hace pan o quien lo lanza al público en una perfomance. O ninguno de los dos.

4. La creación no es sólo el ejercicio individual del artista sino el talento colectivo de los grupos. Antes se entendía que el proceso creativo se limitaba a la acción del artista. Ahora sabemos que en ese proceso intervienen otros actores sin los cuales no hay creación. Porque el creador ya no está sólo frente a la obra. Su trabajo depende también del trabajo de los otros. No hay creación contemporánea si no admitimos esa interdisciplinariedad.

Momentos del MACC

5. El reconocimiento de lo colectivo, del carácter colaborativo de los procesos creativos, nos obliga, incluso, a revisar el concepto de autoría, el concepto de propiedad intelectual. Lo contemporáneo ha difuminado las fronteras entre el autor y el usuario, entre la creación y la función de lo creado.

6. La creación contemporánea no entiende de especialidades. En nosotros se hace evidente que el mestizaje y la diversidad es el argumento principal de la vida. La hibridación es consustancial a las nuevas tendencias creativas. Ni siquiera hay creadores para la cultura, sino desde la cultura.

7. El proceso artístico no es sólo estético sino ético. Para superar las crisis, como ésta que ahora nos preocupa, es necesario figurarnos lo que no existe. Y los creadores, acostumbrados a la imaginación, reclamamos nuestro papel como imaginadores del futuro. El creador tiene una responsabilidad ante los tiempos, aunque sea sólo la responsabilidad del presentimiento, de la visión que niega la evidencia. Porque si las certezas repiten modelos conocidos; los presentimientos, en cambio, proporcionan nuevas posibilidades.

8. macc ni es ni quiere ser un exhibidor de artistas; sino un exhibidor de procesos creativos. Con esa voluntad, y con la de seguir siendo punto de encuentro, proclamamos nuestra voluntad de seguir encontrándonos aquí o en cualquier otro sitio del Atlántico.

Razones para Programar Danza y Teatro Contemporáneo en Tiempos de Crisis

Publicado originalmente en La Coctelera el 5-Mayo-2009

Texto introductorio de las Jornadas Internacionales de Artes Escénicas que tendrán lugar en Huesca del 30 de Septiembre al 2 de Octubre de 2009

Repetidamente nos enfrentamos al hecho de la escasa presencia del teatro y la danza más innovador y vanguardista en las programaciones estables de los teatros. Las razones que se esgrimen son muy diversas, aunque la mayoría inciden en la falta de aceptación por parte del público. Este, mayoritariamente habituado a las artes escénicas como mero entretenimiento o como reflejo de una educación sustentada en el patrimonio y la historia por encima de los procesos de creación contemporánea, no asume con facilidad las nuevas corrientes de las artes escénicas. Además, en tiempos de crisis, las administraciones públicas recortan gastos en las partidas de cultura que reciben menor consideración popular.

Sean cuales sean las razones, en estas Jornadas vamos a ser positivos y no quedarnos en la descripción de una realidad de por sí difícil para la creación escénica contemporánea. Por lo tanto, hemos invitado a nueve personas relevantes de diferentes ámbitos de las artes escénicas internacionales para que nos den sus razones por las cuales consideran que los espacios escénicos hoy día deben programar creación contemporánea. Cada uno de los ponentes va a ser testimonio de una evidencia por la cual han destacado y, todos ellos juntos, podrán confeccionar un argumentario detallado con el que defender la conveniencia de una programación de riesgo e innovadora en los teatros.

En palabras más actuales: en las Jornadas nos gustaría discernir cuales son las razones para un I+D+i de la exhibición escénica en el momento histórico actual. En el “Año Europeo de la Creatividad y la Innovación” e inmersos en una crisis global de proporciones todavía desconocidas, el recurso a la creación artística más innovadora se intuye como un detonador para un nuevo desarrollo social, económico y, también, personal. En las artes escénicas este detonador se concreta en la contemporaneidad de las propuestas artísticas y en su accesibilidad para la mayoría de la sociedad.

Miércoles 30 de Septiembre

Mesa 1 – Razones artísticas

Apostar por el arte y que este sea accesible a los ciudadanos no debería necesitar justificación alguna. El “arte por el arte” ha sido uno de los principales argumentos de las escuelas filosóficas desde tiempos remotos: “la necesidad del arte se justifica por sí mismo”. En este contexto ¿en qué lugar se sitúa el arte escénico contemporáneo? ¿tiene también valor en sí mismo? si es así  ¿que lo define y que lo diferencia de otras disciplinas escénicas?

Jueves 1 de Octubre

Mesa 2 – Razones socioeconómicas

El argumento del progreso económico es el que últimamente más se ha usado en España por políticos y administraciones para justificar su apoyo a las artes. Pero, ¿están las artes contemporáneas capacitadas para reactivar una economía en crisis? ¿una sociedad necesitada de innovación puede echar mano a la creatividad de los artistas? ¿hacen falta mentes creativas para un nuevo tipo de sociedad? ¿no sería un primer paso educar en la creatividad?

Viernes 2 de Octubre

Mesa 3 – Razones sociales y personales

La creación contemporánea se nutre de la realidad de la sociedad en que se desarrolla para nuevamente devolverla a ella. Sus receptores, individuos y colectivos, se sensibilizan, se transforman, desarrollan su propia creatividad, fortalecen la capacidad de convivir y pueden llegar a superar las barreras de la exclusión. Con todo ¿es la población receptiva a la creación contemporánea? ¿su capacidad transformadora repercute en sus practicantes? ¿hay creación más allá de la Academia?

¿Quién Definirá la Política Cultural Exterior en España?

Publicado originalmente en La Coctelera el 25-Febrero-2009

Cúpula de Barceló

Hace unos días apareció en “El País – Babelia” el artículo de Antonio Muñóz Molina titulado “Bajo la Cúpula”. Os recomiendo su lectura en http://www.elpais.com/articulo/semana/cupula/elpepucul/20081129elpbabese_6/Tes.

Aunque el tema era sobre al gasto del Ministerio de Asuntos Exteriores en la cúpula que Miquel Barceló pintó para el Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra, a mi me interesó especialmente las reflexiones que hace en la segunda parte del artículo sobre el gasto del gobierno en proyección y cooperación cultural de España en el exterior. Si a estas reflexiones se le añade la batalla que estos días está librando en la prensa el Ministro de Cultura del gobierno de España Cesar Antonio Molina para coordinar toda la acción cultural que España ejerce en el exterior, vemos que se está poniendo de actualidad una política de la que se habla poco pero de vital importancia para un país que se dice la 7ª potencia mundial.

Empieza Muñóz Molina diciendo que los presupuestos de España para la proyección cultural exterior son miserables. Con la experiencia de haber dirigido el Instituto Cervantes en Nueva York confiesa que lo que el gobierno se ha gastado en la cúpula de Barceló es la misma cantidad de que disponen los 72 centros del Cervantes para programas culturales en un año. Eso sí, cuando se trata de mangoneo clientelar y exhibiciones suntuarias parece que no hay límites de presupuesto. Pues sí, miseria.

Por otra parte el Ministro de Cultura se ofrece en http://www.elpais.com/articulo/cultura/Cesar/Antonio/Molina/pide/coordinar/accion/cultural/exterior/elpepucul/20081217elpepucul_3/Tes, para coordinar esta miseria en base a la prosperidad que le dará al país la venta de productos culturales al exterior. Sus palabras son la cultura española es un buen negocio. En este caso a quien hace la competencia el Ministerio de Cultura no es al de Exteriores sino al de Industria y Comercio. Con tan pobres argumentos, ¿cómo se van a hacer cargo de la proyección exterior de la cultura?

Antes que nada lo que debería hacer hecho Cesar Antonio Molina es cargarse de argumentos a la hora de reivindicar las competencias si quiere ocupar el lugar de su competidor. ¿Cual es hoy día el papel de las artes y la cultura en la cooperación internacional? ¿En un mundo globalizado qué sentido tiene la diplomacia cultural? ¿Qué pueden aportar las artes que se hacen en España al desarrollo global en el mundo? ¿Qué se puede aprender del resto del mundo? España es un país históricamente cerrado, poco permeable a las novedades artísticas y poco influyente en el mundo occidental. En Europa, los franceses, británicos, nórdicos o holandeses se encuentran a años luz de nosotros en sus políticas de proyección exterior. Salir fuera y abrir las ventanas forma parte de un ejercicio mayor de modernización que transciende el mero negocio mercantil. No se trata de dominar el mundo con nuestra cultura sino compartirla para crecer juntos en nuevas y fructíferas contaminaciones. Una política de proyección exterior debe mirar alto y lejos a la cultura y diseñarse sobre nuevos paradigmas en los que el papel de los creadores contemporáneos se encuentre en la base.

Las operaciones de márquetin como la cúpula de Barceló o la presencia catalana en la Feria de Frankfurt, en donde se destinan unos presupuestos desorbitados respecto al resto de la acción cultural exterior, no conducen a nada si no hay detrás una política bien definida y sostenible a largo plazo. Esta debe impulsar la presencia de nuestros artistas, gestores y organizaciones en la gran diversidad de proyectos internacionales por encima de las presencias institucionales del estado o de sus autonomías.

En Corea También Apuestan por un “New Deal” para la Cultura

Publicado originalmente en La Coctelera el 1-Febrero-2009

Si los lectores de esta blog son reincidentes recordarán el artículo que publiqué el 12 de Noviembre (ver más abajo) sobre la necesidad de un programa de rescate en el sector cultural para afrontar la crisis. En este artículo pido a las administraciones públicas un “New Deal” para salvar las artes y la cultura de la crisis que nos atormenta. En el expongo que los beneficios repercutirán directamente en el conjunto de la sociedad y en la economía ya que así se asegurará una sociedad más innovadora y creativa, condición básica para superar la crisis. Seguir leyendo En Corea También Apuestan por un “New Deal” para la Cultura

Un New Deal Cultural para Superar la Crisis

Publicado originalmente en La Coctelera el 12-Noviembre-2008

Por lo que se ve, los planes de rescate ante la crisis únicamente van a ir dirigidos a salvar la vida de los bancos y de las empresas de la “economía real”. Según dicen, debería de ser suficiente para que en el plazo más corto de tiempo podamos volver a gozar de altos niveles de empleo y de bienestar económico. Por otra parte, una afirmación recurrente estos días en los diarios es que a España le costará salir de la crisis por su bajo nivel de productividad. Evidentemente los gobiernos van a empeñarse en mejorar la productividad de las empresas y salir pitando de la crisis.

Ante tal panorama, ¿qué papel le quedara por jugar a la cultura y a los sectores artísticos? Mirando los periódicos y declaraciones, parece ser que ninguno. No va a haber ningún plan de rescate para los artistas, ellos no contribuyen al desarrollo de la actividad financiera y económica. La cultura y los artistas, una vez más, quedarán relegados de los grandes programas y decisiones que afectan al conjunto del país.

En esto, como en otras tantas decisiones que han llevado a esta situación, las fuerzas vivas de la economía y la política se equivocan. Para salir de la crisis hay que contar con los artistas y la cultura y poner en marcha un gran plan de rescate cultural de igual manera que se hace con los sectores financieros y productivos. Pero, veamos, ¿cómo se justifica un plan de rescate para la cultura?

Como bien se dice, España saldrá más rápidamente de la crisis si mejora la productividad de las empresas pero, hace falta añadir que el mal de este país, además, es su falta de innovación. El capitalismo que surja de la crisis será el capitalismo de la creatividad y la innovación. Ya no bastará con producir, habrá que hacerlo aplicando nuevos modelos y sistemas que desarrollen productos y servicios que vayan más allá de los conocidos. En este ámbito, los artistas contemporáneos son las personas necesarias para dotar al tejido productivo de la capacidad de imaginar sin límites, paso previo para que las empresas puedan innovar.

Actualmente, una política inteligente de gobierno es apostar decididamente por la cultura y proponer planes de rescate para que los artistas puedan seguir trabajando. Esto se deberá llevar a cabo desarrollando nuevas políticas culturales que sitúen el artista en el centro y que fijen como objetivo el desarrollo de la creación y una nueva manera de entender la difusión artística. Porque, esto sí, el artista deberá involucrarse íntimamente con la sociedad y compartir con ella su capacidad creativa.

Los Consejos de las Artes, por su conocimiento, independencia y transparencia, son los organismos adecuados para desarrollar estas políticas culturales de nuevo cuño. En este sentido, es todavía más urgente que el de Catalunya se ponga a trabajar inmediatamente y se le dote del presupuesto suficiente para realizar esta tarea.

El ejemplo más sonoro de plan de rescate cultural se dio en Estados Unidos durante la gran depresión del 29. El New Deal impulsado por Franklin Roosevelt para salir de la crisis dio trabajo a decenas de miles de artistas para enseñar en las escuelas, pintar en edificios públicos, engrosar orquestas o grupos de teatro. Entre muchos otros, Jackson Pollok, Mark Rothko, Orson Welles o Aaron Copland realizaron sus trabajos gracias al New Deal.

Aunque el caso americano estaba orientado a la contratación y el empleo, en la actualidad las prioridades han cambiado y, por supuesto, sin renunciar al empleo, habrá que tener en cuenta la cultura y las artes para avanzar de lleno en una nueva economía creativa. En línea con los países más desarrollados, con estos con los que Zapatero quiere ir de la mano para renovar el sistema capitalista, los planes de rescate de la cultura deberán de ser elementos ineludibles de los programas para salir de la crisis.

Cita de Jorge Amado

Publicado originalmente en La Coctelera el 30-Enero-2006

Los intelectuales de élite brasileña, los de izquierdas y los de derechas, hermanos gemelos en su pretensión y en su locura, imitan, una parte de ellos, a los europeos; otros, la mayoría, resultan una fotocopia de los yanquis. De brasileños no tienen casi nada: el saber, aunque libresco y limitado, los coloca por encima de la ciudadanía, se sienten superiores, repudian la creación popular, vuelven la cara, se tapan la nariz para no percibir los olores de la calle, de la plaza pública.

Jorge Amado – Navegación de Cabotaje

A Propósito de los Consejos de las Artes en España

Publicado originalmente en La Coctelera el 11-noviembre-2008

Considero que el establecimiento de Consejos de las Artes en España es oportuno para dar un empuje cualitativo a las políticas de apoyo a la creación artística y su difusión como tal entre los ciudadanos (y no como mero entretenimiento). Quizás en otro momento histórico no fue necesario pero ahora mismo es ineludible, aunque el proceso en Cataluña está siendo todo un calvario de ilusiones desatendidas.

Foto de familia en el Parlament de Catalunya, el histórico día de la aprobación de la ley del Consell de les Arts de Catalunya (un servidor en la última fila)

Las fuerzas que se oponen a la implantación de los Consejos de las Artes son muy fuertes. Por un lado están algunos políticos y funcionarios que no quieren ver reducida su cuota de poder y, por el otro, personas bienintencionadas que ciegamente confían en que el modelo actual de gestión pública de la cultura es el único que beneficia a la mayoría de la población. Después de 30 años de políticas culturales, la gestión pública ha ido desvirtuándose y la injerencia de la lucha política en las artes está haciendo desvanecer la razón misma de ser del artista.

Pienso que, en los países donde los Consejos de las Artes están implantados, la entente entre la administración pública, la clase política y los sectores artístico es mucho más fuerte que donde no lo está. En ellos, la colaboración se basa en el interés por alcanzar objetivos de bien común. En España, desgraciadamente, se llega al entendimiento a partir del interés personal y el clientelismo. Una verdadera lástima.

El proceso de implantar el Consejo de las Artes en Cataluña comenzó sin apenas información de los principios que los sustentaban. La independencia de los consejeros, su vinculación a título individual, la estructura de jurados o paneles de expertos de los sectores culturales, y un largo etcétera, chocaron con las formas y criterios de actuar de una sociedad jerarquizada y colectivista como la nuestra. De otro modo, los valores de los Consejos de las Artes se basan en la ética individual y el compromiso personal y de la sociedad civil por luchar por el bien común. La falta de información provocó situaciones críticas de ruptura del diálogo realmente dolorosas y que tardarán mucho tiempo en volver a restablecerse.

Mi tarea en todo este proceso ha sido asesorar tanto al “Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya” como a las asociaciones de artistas y profesionales de la cultura encuadrados en la “Plataforma pel Consell de les Arts”. En este proceso realicé toda una serie de informes sobre diferentes Consejos de las Artes del mundo, los cuales han contribuido a mejorar la información que tanto el “Govern” y el “Parlament de Catalunya”, como los profesionales de la cultura han utilizado como base para llegar al consenso en la nueva ley. Esta fue aprobada el 7 de mayo de este mismo año y, aunque todavía no está en vigor, somos muchos los que le deseamos una larga y fructífera vida por el bien de la comunidad artística. Los informes, en catalán y en inglés, pueden descargarse en la dirección http://www.escenaintbcn.org/Publicaciones.htm

La Danza Contemporánea se Examina en el mov-s

Publicado originalmente en La Coctelera el 10-Diciembre-2008

El proyecto del Mov-s lo empezamos a desarrollar conjuntamente con Cesc Casadesus hace unos tres años con la esperanza de crear un lugar de encuentro internacional para los profesionales vinculados a la danza y las artes del movimiento. En España existe una falta de espacios para el debate y el intercambio de información en las artes escénicas contemporáneas y, aun menos, donde participen expertos internacionales con los que poder confrontar las experiencias. En Mov-s, además, pretendíamos que la presencia de los artistas fuera notable, tanto su voz como sus creaciones.

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Mi paisano el tortosí Roberto Oliván presento en el Mov-s / Galicia este maravilloso «Kiosko das almas perdidas» junto a Mercedes Peón. Una gozada.

Uno de nuestros deseos es que pudiera ser itinerante dentro de España. Cambiar de escenarios permitiría que cada una de sus ediciones pudiera entenderse no sólo a escala nacional e internacional sino, también, local. Especialmente nos interesaba sumergirnos en la realidad artística de las ciudades y comunidades donde el Mov-s se realizaría.

Con estos buenos propósitos, iniciamos el Mov-s en abril de 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona y en 2008 en Galicia.

Capitán, a toda máquina rumbo San Simón

En junio de 2008 el Mov-s se trasladó a Galicia, a la hermosa islita de San Simón, en la ría de Vigo. En colaboración con el Centro Coreográfico Gallego, la isla de San Simón nos acogió en una especie de retiro artístico-espiritual que resultó extremadamente estimulante. Los temores de que apartados de una gran ciudad la asistencia se reduciría fueron totalmente infundados. También las presentaciones de artistas gallegos, en la isla y en la ciudad de Pontevedra, permitieron comprobar la fuerza que la creación escénica contemporánea está teniendo en Galicia.

Bailando en la isla

En Galicia, los debates del Mov-s giraron en torno a «las condiciones para la creación coreográfica». En dos jornadas completas de encuentros se fueron desgranando temas relativos a los centros de creación, la movilidad artística, los entornos y el acompañamiento artístico, la memoria de la danza y las políticas culturales de desarrollo de la danza. Todos, en su conjunto, pueden servir de referencia y modelo de buenas prácticas para que en un país, ciudad o región, la creatividad pueda florecer.

Momentos de gran concentración

Sería imposible sintetizar lo hablado, pero el clima de la isla y el ambiente tranquilo de la reunión permitió llegar a importantes niveles de compenetración y diálogo entre los asistentes cosa que es tan importante como las conclusiones en sí mismas. De todas maneras, como ya se hizo en el Mov-s de Barcelona, las ponencias serán publicadas y presentadas en la próxima edición. Los programas de Mov-s Galicia y de Barcelona se pueden encontrar en www.mov-s.org

Aunque el futuro del Mov-s está asegurado, todavía no sabemos con exactitud dónde se va a realizar y en que fechas. Todo parece indicar que se va a retrasar un poquito y, muy probablemente, el nuevo Mov-s tenga lugar en el primer trimestre de 2010 en una capital de España.

Sistemas de Financiación Privada de la Cultura

Publicado originalmente en La Coctelera el 3-Noviembre-2008

En los últimos años he tenido la posibilidad de realizar dos estudios sobre la financiación privada de la cultura para el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña. Estos me han permitido profundizar en los dos modelos que más aportan de cara a transformar las políticas culturales en España: el modelo que rige en el Reino Unido y el de Canadá y Quebec. Seguir leyendo Sistemas de Financiación Privada de la Cultura

La Cultura Popular Toma el Parlamento de Colombia

Originalmente publicado en La Coctelera el 30-Octubre-2008

Este artículo lo publiqué en el nº 34 de primavera 2008 de Fiestacultura

El Foro Internacional de Visibilidad de la Cultura en el marco del Festival Invasión Cultural a Bosa – Bogotá

Será una experiencia difícil de olvidar la emoción que sentimos un grupo de artistas y gestores de la cultura al pasar un día entero en la sala de sesiones de la Cámara de Representantes del Congreso de Colombia para expresar nuestros puntos de vista y experiencias en torno a las artes y la cultura popular. Se trataba de que por un día la cámara baja del Congreso colombiano se transformase en eco de las voces de la gente de la cultura en lugar de los debates políticos habituales. El experimento para dar visibilidad a la cultura desde el centro mismo del poder político de Colombia se hizo realidad con el apoyo de la retransmisión televisiva en directo, para todo el país, de las siete horas ininterrumpidas que duró el debate.

En la tribuna del Parlamento de Colombia con Venus Albeiro Silva

El Foro Internacional Visibilidad de la Cultura tuvo lugar el 27 de Noviembre dirigido por el director de teatro, agitador social y Representante de la Cámara Venus Albeiro Silva -en España sería Diputado del Congreso-. Durante la sesión hablaron personas destacadas de las artes y la cultura de Colombia así como un grupo de invitados de Cataluña, Valencia, Madrid i Euskadi. En las intervenciones se pudieron oír las opiniones de gente tan reconocida como la directora del Festival Iberoamericano de Bogotá Fanny Mickey, el director de festival de Manizales, Octavio Arbalaez, o la directora del festival de Santa Marta, Patricia Moreno. También artistas como Jorge Vargas, director del mítico grupo de teatro callejero Teatro Taller de Colombia o la directora del teatro Tecal.

Samper, Gaviria y Venus Albeiro durante la Jornada

Una amplia participación de políticos dijeron la suya en la tribuna del Congreso de la República. El ex-presidente de Colombia, Ernesto Samper, explico cómo fue el proceso de creación del primer Ministerio de Cultura durante su presidencia. El presidente del Polo Democrático -el primer partido de la oposición- Carlos Gaviria explicó las líneas principales de la política cultural que llevará a cabo si gana las elecciones presidenciales. Por lo que dijo, y si lo cumple, realmente sería deseable que fuera el próximo presidente de Colombia. También estuvieron el nuevo alcalde electo de Bogotá, Samuel Moreno, también del Polo Democrático, y la ministra de cultura del gobierno actual, Paula Marcela Moreno.